Introducción: La integración de la inteligencia artificial generativa en la educación artística superior requiere superar una enseñanza centrada en el uso de herramientas y aplicaciones. Este planteamiento entiende el prompt como una práctica que articula intención artística, experimentación, reflexión crítica y alfabetización en inteligencia artificial. Su objetivo es convertir la elaboración y revisión de instrucciones en un proceso mediante el cual el alumnado explore alternativas, identifique límites técnicos y éticos y argumente sus decisiones. El interés se dirige del producto final al proceso creativo documentado. Método: Se plantea una dinámica de taller basada en la iteración guiada y el registro progresivo del proceso de trabajo. Cada estudiante parte de una pregunta o propósito artístico, formula un prompt inicial, examina la respuesta del sistema y registra qué conserva, descarta o modifica. Después desarrolla iteraciones y bifurcaciones. El registro reúne prompts, resultados, criterios de selección, transformaciones manuales o digitales y una reflexión sobre sesgos, procedencia de los materiales, autoría y grado de intervención humana. La evaluación se realiza mediante criterios definidos, análisis del trabajo documentado y la propia autoevaluación. Los indicadores valoran la coherencia del proceso, la capacidad de exploración, la argumentación de las decisiones y la revisión crítica. Resultados, discusión y conclusiones: Al tratarse de una propuesta de innovación docente, la metodología busca favorecer una exploración más consciente y facilitar la comparación entre resultados. También permite identificar aprendizajes que no siempre son visibles en la obra final. El valor educativo del prompt reside en revisar y justificar las decisiones durante el proceso creativo. El trabajo con inteligencia artificial desarrolla competencias creativas y metodológicas sin sustituir el criterio artístico del alumnado.

Introducción: La incorporación de metodologías digitales a la enseñanza artística permite integrar percepción, análisis visual y tratamiento de datos en procesos de investigación-aprendizaje. Este trabajo parte del dataset Perception and Colour: A Multimodal Eye-Tracking and Emotion Dataset for Contemporary Art Perception (Cuevas, 2026), desarrollado para estudiar la atención visual y la respuesta emocional ante obras de arte contemporáneo seleccionadas por su uso del color. El experimento reunió a 108 participantes que observaron 19 estímulos artísticos mediante un entorno remoto de eye tracking basado en cámaras web, generando datos multimodales procedentes del seguimiento de la mirada y de medidas automatizadas de respuesta emocional inferidas a partir de expresiones faciales. El objetivo del proyecto es analizar las posibilidades metodológicas y formativas de un dataset multimodal de percepción artística y proponer un modelo de conocimiento transferible a contextos universitarios de Bellas Artes y Humanidades Digitales. Método: Se procesaron y normalizaron datos de eye tracking y respuesta facial obtenidos con CoolTool (https://cooltool.com/). El análisis combina cuatro dimensiones: variabilidad espacial de la mirada, dispersión intraobservador, variabilidad emocional interobservador y variabilidad emocional temporal. En este proyecto se han seleccionado tres casos contrastantes de alta, media y baja variabilidad perceptiva para su comparación visual. Resultados, discusión y conclusiones: El procesamiento de los datos permite transformar registros heterogéneos en visualizaciones comparables de atención y respuesta perceptiva. La combinación de heatmaps, gaze plots, series temporales y metadatos favorece la lectura crítica de patrones de observación y pone de manifiesto la necesidad de documentar normalización, calidad de registro y tamaños muestrales válidos. Como propuesta docente, este enfoque puede articular actividades de aprendizaje basadas en datos reales, interpretación visual y Cultural Analytics, vinculando creación artística, investigación y competencias digitales, e integrando aproximaciones cuantitativas y cualitativas sin reducir la experiencia estética a un único indicador.

Introducción: La práctica artística contemporánea se desarrolla entre, al menos, dos espacios complementarios: el de la producción de la obra y el de su presentación, circulación y distribución. En este segundo ámbito, la relación entre la práctica artística y el desarrollo profesional está mediada por formatos digitales que permiten a los artistas y estudiantes comunicar, contextualizar y organizar los trabajos creativos. El dossier ocupa una posición central como herramienta de presentación ante convocatorias, instituciones, galerías, residencias, becas y otros contextos profesionales. El dossier se plantea como un material específico de la práctica artística, comparable, desde una perspectiva metodológica, con otros materiales empleados en los procesos de creación tales como los acrílicos, las resinas o similares. Método: A partir del análisis de diferentes formas de presentación de proyectos artísticos y de ejemplos, se estudia el dossier como una estructura flexible cuya configuración depende del contexto de recepción, los objetivos profesionales y de cada práctica artística. Se analizan sus componentes visuales, narrativos y documentales, así como las decisiones de selección, edición, jerarquización y secuenciación que intervienen en su elaboración. La propuesta plantea metodologías para incorporar el desarrollo del dossier dentro de la formación universitaria en Bellas Artes. Resultados, discusión y conclusiones: Entender la presentación digital de trabajos como un material autónomo permite integrar la comunicación profesional dentro de las metodologías docentes de Bellas Artes. La elaboración del dossier implica operaciones creativas de síntesis, edición y construcción de discurso que contribuyen a que el alumnado comprenda su propia práctica y sea capaz de adaptarla a distintos contextos de circulación. Su incorporación a la enseñanza universitaria como un material más, pretende ser una ayuda al desarrollo crítico y conceptual de los proyectos artísticos.

Introducción: El estudio aborda la práctica artística contemporánea como un campo de producción de conocimiento situado, en el que materia, cuerpo, espacio, tiempo y contexto intervienen conjuntamente en la construcción de significado. El objeto de análisis es un corpus de 5 producciones artísticas para identificar dimensiones transversales capaces de relacionar lenguajes híbridos más allá de las categorías disciplinares convencionales. La investigación se contextualiza mediante una selección de 54 referentes artísticos, desde la modernidad hasta la producción contemporánea, y 30 fuentes teóricas que fundamentan las categorías. Esta delimitación diferencia tres niveles de evidencia: las 5 producciones del corpus de implementación, los referentes como genealogías visuales y contraste histórico-contemporáneo, y las fuentes teóricas que sustentan el modelo analítico. Método: Se desarrolla un estudio exploratorio e interpretativo basado en la revisión de contenido visual, categorización cualitativa y comparación transversal. Se construye un modelo con cuatro categorías —materialidad expandida, percepción fenomenológica, temporalidad y contexto relacional—, operacionalizadas mediante indicadores y preguntas analíticas. El análisis se triangula mediante documentación visual, información procesual y contraste con referentes teóricos y artísticos. Resultados, Discusión y Conclusiones: Se identifican cuatro dimensiones recurrentes e interdependientes. La materialidad organiza el espacio y la experiencia corporal; la percepción se construye mediante el recorrido, orientación y tactilidad; la temporalidad aparece como duración, desgaste, huella, memoria y transformación; y el contexto condiciona las relaciones entre obra, espacio, objetos y agentes humanos y tecnológicos. La principal aportación consiste en integrar marcos previamente diferenciados en un dispositivo analítico común y trazable. En relación con la investigación-creación, el modelo permite considerar las operaciones del proceso artístico como procedimientos observables de producción de conocimiento. Su aplicación muestra una viabilidad inicial para estudiar producciones heterogéneas.

Introducción: Esta contribución propone resistir la inmediatez contemporánea mediante la investigación de procesos lentos vinculados a la práctica artística. A partir de la realización de pan, la fermentación y el uso de dispositivos sonoros y síntesis modular, se desarrolla el concepto de “escucha desobediente” como una forma de atención que cuestiona hábitos perceptivos y atiende a fenómenos acústicos mínimos, atonales y discontinuos. La investigación toma además ciertos principios de la "plunderfonía" para trasladarlos hacia prácticas materiales y pedagógicas donde el sonido aparece como un comportamiento inestable, deformado y parcialmente incontrolable. Método: La investigación se desarrolla desde metodologías basadas en la práctica artística, la experimentación material y la escucha prolongada. A través de procesos de fermentación, construcción de dispositivos sonoros y prácticas culinarias junto con sistemas de audio con síntesis modular, se exploran fenómenos acústicos de aparición irregular y estructuras alejadas de patrones rítmicos reconocibles. El trabajo se plantea como un espacio abierto a la deriva, la espera y la incertidumbre, donde el error y la transformación continua forman parte activa de la producción de conocimiento. Resultados, discusión y conclusiones: La investigación plantea que las temporalidades expandidas y las prácticas sonoras no normativas permiten generar formas de conocimiento que desbordan los modelos convencionales de producción artística y aprendizaje. La escucha desobediente como una herramienta crítica capaz de activar nuevas relaciones entre percepción, materia y experiencia. Aplicado a contextos de educación artística e innovación docente, el trabajo propone metodologías abiertas y no lineales centradas en la atención sostenida, la exploración y la interacción material, favoreciendo formas de aprendizaje donde el proceso adquiere más relevancia como el resultado final.

Introducción: Este trabajo se integra en el proyecto de investigación PR17/24-31908, "Personalización y fabricación digital in situ de objetos que mejoren la vida de las personas con necesidades especiales", financiado por la Comunidad de Madrid y la Universidad Complutense de Madrid (2023-2026). El objetivo es crear un servicio que permita a centros de atención (colegios o asociaciones) personalizar y fabricar piezas adaptadas in situ. Se busca que el personal asistencial responda de forma autónoma, sin requerir conocimientos técnicos de diseño o impresión 3D. La ponencia aborda las herramientas de diseño estratégico que estructuraron la investigación: condiciones, procesos, recursos, interacciones con agentes y transferencia a los centros. Método: Participaron personas con necesidades especiales, cuidadores y personal técnico; el equipo de diseño incluyó docentes investigadores y estudiantes. Se emplearon herramientas como Service Blueprint, diagramas de flujo e instrumentos de recogida de información, análisis y toma de decisiones. El procedimiento se basó en la interacción continua con el personal asistencial mediante co-diseño. Resultados, discusión y conclusiones: Se desarrollaron prototipos adaptados, una plataforma web de gestión y testeo del servicio en entornos reales. La implicación de los centros fue muy satisfactoria. El servicio desarrollado logra contribuir de forma directa a mejorar la calidad de vida de las personas con necesidades especiales.