La música es una de las experiencias más completas que puede vivir el cerebro humano: escuchar, coordinar, anticipar y moverse al mismo tiempo activa redes neuronales que sostienen el aprendizaje. Sin embargo, en muchos contextos educativos el cuerpo sigue ocupando un lugar secundario en el aula de música. Esta ponencia propone devolverle el protagonismo y entiende el movimiento no como un complemento, sino como el punto de partida de la comprensión musical. Desde el enfoque de la neuromotricidad, se analiza cómo la alfabetización motora es la base sobre la que se construyen el pulso, el ritmo, la forma y la expresión musical. Por alfabetización motora se entiende la adquisición progresiva de patrones de movimiento conscientes, coordinados y rítmicos. Aprender música es, en primer lugar, aprender a habitar el tiempo con el cuerpo. El eje de la propuesta es el método BAPNE, que se fundamenta en la biomecánica, la anatomía, la psicología, la neurociencia y la etnomusicología. Mediante la percusión corporal y secuencias de movimiento de complejidad creciente, el alumnado entrena de forma lúdica las funciones ejecutivas: la atención sostenida y dividida, la memoria de trabajo, el control inhibitorio y la flexibilidad cognitiva. Cada actividad exige escuchar, recordar, decidir y ajustar la respuesta en tiempo real, en interacción con el grupo. La comunicación presentará los fundamentos teóricos de esta relación entre cuerpo, música y cognición. También ofrecerá orientaciones didácticas concretas, aplicables desde Educación Infantil hasta la formación del profesorado. Se mostrarán ejemplos prácticos de disociación, lateralidad, coordinación y trabajo con el pulso, que pueden incorporarse sin instrumentos ni recursos especiales. El objetivo es ofrecer al docente herramientas sencillas y rigurosas para transformar el aula de música en un espacio donde moverse, pensar y crear sean una misma acción. Así se contribuye al desarrollo integral, emocional y social del alumnado.

During the first thirty-six months of life, the development of executive functions unfolds as a progressive process, closely linked to neuromotor maturation, emotional regulation, and the quality of interactions with adults. The earliest manifestations of attentional control, working memory, and behavioral inhibition emerge through sensory and motor experiences that precede the full organization of executive skills This paper presents a theoretical and applied analysis of the relationship between these processes and the educational opportunities offered by the BAPNE method, distinguishing three developmental stages: 0–12, 12–24, and 24–36 months. During the first year, shared regulation, the perception of temporal regularities, and rhythmic-vocal interaction between adults and infants are particularly significant. In the second year, the expansion of motor autonomy and imitative abilities makes it possible to support shared attention, anticipation, and the earliest forms of action control. Between 24 and 36 months, the growing capacity for representation and behavioral regulation allows for the introduction of simple rhythmic-motor sequences and activities involving responses to specific stimuli. Through the theoretical framework of educational neuromotricity, BAPNE approaches are identified that are consistent with the developmental characteristics of each stage, prioritizing physical interaction, communicative musicality, and the gradual nature of cognitive demands. The goal is to outline a developmentally appropriate pedagogical model in which rhythm and movement serve as experiential contexts conducive to the emergence of self-regulation, without anticipating skills that have not yet been consolidated. The proposal distinguishes the theoretical and didactic potential of the method from the experimental evidence regarding its specific effectiveness in the 0–36-month age group, which still requires further investigation.

La percusión corporal ha evolucionado desde sus orígenes antropológicos e historiográficos hasta consolidarse como un campo de investigación académica riguroso e interdisciplinar. La presente comunicación analiza la trayectoria conceptual de esta disciplina, con especial énfasis en su evolución desde la pedagogía musical tradicional hacia el paradigma neurocientífico contemporáneo de la neuromotricidad. A través de una revisión narrativa de la literatura especializada, se examinan siete etapas históricas y once ejes temáticos interconectados que fundamentan el uso del cuerpo como recurso tímbrico y cognitivo. Inicialmente integrada en la educación musical como un elemento preparatorio por pedagogos como Émile Jaques-Dalcroze y Carl Orff, la percusión corporal adquirió autonomía metodológica mediante propuestas como el Método BAPNE, fundamentado en la articulación de la biomecánica, la anatomía, la psicología, la neurociencia y la etnomusicología. Los avances científicos más recientes ponen de manifiesto un giro neuromotor centrado en el desarrollo de las funciones ejecutivas: memoria de trabajo, control inhibidor y flexibilidad cognitiva. Mediante la estimulación motora coordinada y la ejecución técnica bajo condiciones de doble tarea (dual-task), se activan redes auditivo-motoras acopladas que potencian la plasticidad cerebral. Asimismo, la investigación cuantitativa reciente aporta evidencia empírica contrastada en etapas de educación infantil, primaria y necesidades educativas específicas, respaldada por modelos teóricos sobre la calibración biomecánica del metro musical y el andamiaje prosódico corporizado en la adquisición del lenguaje. En conclusión, la percusión corporal se consolida en la actualidad como una estrategia neuroeducativa y pedagógica sólida, accesible y no invasiva. Su aplicación sistemática en el contexto escolar no solo favorece el aprendizaje musical y la motricidad, sino que actúa como un catalizador neurológico para la optimización de los procesos de aprendizaje y el desarrollo integral del alumnado.

Mi ponencia parte de una idea sencilla: el sonido del aula no debe entenderse únicamente como un problema de ruido, disciplina o control del comportamiento. En Educación Infantil, los sonidos, los silencios, las voces, los materiales, la distribución del espacio y los movimientos influyen en cómo los niños escuchan, se relacionan, juegan, exploran, recuperan calma y participan en las actividades cotidianas. Se propone el concepto de ecología sonoro-motriz. Con esta expresión me refiero al diseño consciente de las relaciones entre ambiente acústico, movimiento, organización espacial, materiales, interacción social y posibilidades de regulación. No se trata de conseguir aulas silenciosas. Se trata de crear aulas habitables: lugares donde sea posible conversar, escuchar, moverse, jugar, concentrarse, descansar y participar sin que una actividad impida o invada a las demás. La propuesta se concreta en cinco zonas: una zona de escucha fina, una zona de movimiento resonante, una zona de coordinación social, una zona de calma acústica y una zona exterior de escucha. Cada una permite experiencias diferentes. El alumnado puede descubrir sonidos, comparar materiales, observar cómo cambia el sonido con el movimiento, aprender a esperar y responder a otros, recuperar atención o explorar los sonidos del patio y del entorno próximo. Además, el capítulo presenta “El mapa vivo de los sonidos”. Mediante esta propuesta, los niños recorren el aula, escuchan, identifican qué sonidos facilitan o dificultan las actividades, representan sus experiencias mediante dibujos, gestos o mapas y participan en pequeños cambios del ambiente. La idea final es que educar no consiste solo en seleccionar contenidos. También consiste en diseñar espacios donde todos puedan escuchar, expresarse, moverse y sentirse parte del grupo.

En Euskadi, la música no es solo una disciplina académica; es el latido de nuestra historia y de nuestro tejido social. Desde la arraigada tradición coral hasta el bertsolaritza, nuestra herencia sonora ha configurado una forma única de entender el mundo. Nuestro reto actual radica en cómo trasladar este rico patrimonio a las aulas del siglo XXI sin perder su esencia. El desarrollo pedagógico en el País Vasco ha experimentado una transformación notable en las últimas décadas. La consolidación de la red de Musika Eskolak (escuelas de música) ha democratizado el acceso a la práctica musical, desvinculándola de la rigidez tradicional para centrarse en el disfrute y la participación comunitaria. Hoy, instrumentos autóctonos como el txistu, la alboka o la trikitixa conviven de forma natural con el repertorio contemporáneo. Se integran a través de metodologías activas que sitúan al alumnado en el centro del aprendizaje, ya no como mero receptor, sino como creador activo. Mirando hacia el futuro, nuestras perspectivas deben enfocarse en la innovación constante. La educación musical actúa como un puente indispensable entre tradición y modernidad. Esto nos exige formar educadores capaces de integrar herramientas digitales y enfoques transversales, conectando orgánicamente la música con el euskera, el movimiento y otras áreas del conocimiento. En conclusión, el modelo pedagógico vasco demuestra que la educación musical es, ante todo, una herramienta de cohesión social e identidad. Nuestro deber es nutrir las raíces de este patrimonio sonoro mientras abrazamos las corrientes pedagógicas globales, garantizando así que las nuevas generaciones sigan encontrando en la música su propia voz.

En Angola, la música trasciende lo meramente artístico; es el lenguaje fundamental de la resistencia, la identidad y la memoria colectiva. Desde los ritmos ancestrales y la tradición oral hasta expresiones contemporáneas como el semba, la kizomba o el kuduro, el patrimonio sonoro angoleño es extraordinariamente rico. Sin embargo, el gran desafío histórico ha sido estructurar esta enorme riqueza dentro de un marco educativo formal. El desarrollo pedagógico en el país se encuentra en una fase de transición crucial. Durante mucho tiempo, la transmisión del conocimiento musical fue principalmente comunitaria e informal. Hoy, el esfuerzo institucional se centra en construir infraestructuras educativas y formar docentes especializados, superando las dificultades heredadas de décadas de conflicto. Las iniciativas actuales buscan democratizar el acceso a las artes, impulsando proyectos en escuelas y comunidades que utilizan la música como herramienta directa de cohesión social y reconstrucción pacífica. Las perspectivas de futuro exigen una contextualización profunda del currículo musical. Es vital que el sistema educativo formal abrace los instrumentos autóctonos, como la dikanza, el hungu o la marimba, y los ritmos locales, integrándolos armónicamente con la teoría musical global. El objetivo no es importar e imponer métodos externos, sino desarrollar una pedagogía propia que resuene con la realidad sociocultural del alumnado angoleño. En conclusión, la educación musical en Angola representa un poderoso motor de empoderamiento juvenil y transformación social. Nuestro compromiso pedagógico debe ser tejer puentes entre la invaluable herencia oral y las aulas del mañana, asegurando que el vibrante pulso de Angola siga latiendo con fuerza.