La irrupción de la inteligencia artificial generativa en la educación superior obliga a reconsiderar no solo cómo enseñamos, sino qué significa aprender, crear y ejercer la autoría cuando producir textos, imágenes y respuestas puede automatizarse parcialmente. Esta ponencia propone desplazar el debate desde el uso instrumental de la IA hacia una cuestión pedagógica más profunda: ¿qué capacidades debe cultivar la universidad precisamente porque existen máquinas capaces de generar contenidos? Como correlación a una concepción de la universidad como laboratorio de lo común y del arte como método de conocimiento, se plantea una pedagogía orientada a imaginar, juzgar y materializar futuros posibles. La propuesta articula arte, diseño especulativo e inteligencia artificial mediante un “Laboratorio de Futuros en Común”, organizado en siete movimientos: percibir, problematizar, desautomatizar, imaginar, cocrear, prototipar, habitar y reflexionar. La IA no se concibe como sustituto cognitivo ni como sólo instrumento de eficiencia, sino como espejo, dispositivo de extrañamiento, contrapunto creativo, material de producción y objeto de crítica. El modelo desplaza asimismo la evaluación del producto terminado hacia un archivo vivo del aprendizaje que documenta preguntas, decisiones, iteraciones, errores, intervenciones de IA y procesos de coautoría. Se propone valorar problematización, juicio crítico, imaginación, trazabilidad, colaboración e impacto situado. La tesis final sostiene que, ante la automatización creciente de la producción de contenidos, la innovación educativa no consiste en formar usuarios más rápidos de tecnologías generativas, sino en preservar y ampliar la agencia humana para imaginar colectivamente futuros habitables. El arte ofrece para ello un espacio privilegiado de experimentación, crítica y creación compartida.

La enseñanza del diseño de moda se enfrenta al reto de formar profesionales capaces de responder a problemas que trascienden la dimensión estética del producto. La sostenibilidad, el aprovechamiento de los recursos y la generación de residuos requieren reconsiderar tanto la práctica del diseño como las metodologías empleadas para enseñarlo. El objetivo de este trabajo es analizar el potencial del Zero Waste Fashion (ZWF) como metodología activa basada en restricciones materiales para favorecer procesos de creatividad, reflexión y conciencia material en la enseñanza del diseño de moda. Se adopta un enfoque cualitativo, exploratorio y descriptivo mediante el estudio de caso de las experiencias formativas desarrolladas en el proyecto europeo Zero Waste Fashion Training. El análisis se apoya en la documentación técnica del proyecto, los resultados obtenidos durante los talleres, las encuestas de satisfacción y los testimonios de los participantes. Los resultados muestran que la incorporación de la condición zero waste modifica el problema de diseño al hacer más visibles las relaciones entre forma, patrón, superficie textil y residuo, generando situaciones de experimentación, resolución de problemas y reflexión sobre las decisiones adoptadas. A partir del análisis se propone una secuencia pedagógica basada en cinco acciones: observar, cuestionar, experimentar, crear y reflexionar. Se concluye que el ZWF puede entenderse no solo como una estrategia para reducir residuos textiles, sino también como un recurso pedagógico que permite desplazar la atención desde el resultado final hacia el proceso de diseño y sus consecuencias.

En la enseñanza del diseño de moda, el dibujo constituye una herramienta fundamental para observar, idear, representar y comunicar. Sin embargo, más allá de su dimensión técnica, puede entenderse como una forma de pensamiento visual en la que las ideas se construyen y transforman durante el propio proceso de representación. Desde esta perspectiva, enseñar dibujo implica también educar la mirada y favorecer la conciencia sobre los referentes, las decisiones y las operaciones que intervienen en la creación. En un ámbito profundamente condicionado por imágenes, códigos visuales y convenciones de representación, resulta especialmente relevante promover una aproximación crítica a la cultura visual que permita cuestionar imaginarios establecidos y desarrollar narrativas propias. Este trabajo explora la relación entre pensamiento visual, dibujo y práctica reflexiva en la enseñanza del diseño de moda mediante un enfoque cualitativo, exploratorio y teórico-propositivo, sustentado en una revisión narrativa e integradora de estudios sobre procesos de diseño, educación artística, pensamiento visual y experimentación. A partir del análisis se propone OCEA, una secuencia pedagógica articulada en cuatro acciones: Observar, Cuestionar, Experimentar y Argumentar. Observar implica reconocer los referentes y códigos que condicionan la mirada; Cuestionar supone revisar decisiones y explorar interpretaciones alternativas; Experimentar sitúa el dibujo como espacio de prueba, transformación y descubrimiento; y Argumentar permite identificar y comunicar los criterios que orientan el desarrollo del proyecto. La propuesta no pretende sustituir las metodologías proyectuales existentes, sino incorporar momentos de reflexión que permitan hacer visibles procesos habitualmente implícitos en la práctica creativa. Se plantea así una concepción del dibujo que trasciende su condición de resultado técnico para reconocerlo como herramienta de indagación, construcción de sentido y pensamiento crítico. Bocetos, variaciones, errores y reformulaciones adquieren valor como evidencias del aprendizaje, desplazando la atención desde el producto final hacia los procesos de creación y las decisiones que los configuran.

En la formación artística y en diseño, aprender a producir imágenes debería ir acompañado de la capacidad para analizarlas críticamente y comprender los sistemas culturales de representación en los que se inscriben. Esta propuesta aborda la campaña REIIMAGINE de Levi’s × Beyoncé (2024–2025) como caso de estudio para explorar las posibilidades educativas del análisis comparativo de imágenes publicitarias históricas y contemporáneas. La campaña recupera anuncios emblemáticos de Levi’s —Launderette (1985), Refrigerator (1988) y Pool Hall (1991)— y los reinterpreta situando a Beyoncé en posiciones previamente ocupadas por otros protagonistas. El objetivo es plantear un modelo de alfabetización visual crítica que permita trasladar al aula herramientas procedentes de la cultura visual, los fashion studies y los estudios de representación. Metodológicamente, se propone un análisis cualitativo y comparativo basado en tres operaciones —repetir, desplazar y reinscribir— y en categorías como cuerpo, mirada, agencia, espacio, género, raza y pertenencia cultural. La comparación permite observar que la transformación de una imagen no depende únicamente de cambios formales, sino también de quién ocupa determinadas posiciones dentro de ella y de los significados culturales asociados a ese desplazamiento. A partir del caso se plantea una estrategia didáctica orientada a que el alumnado pase de una lectura inmediata de las imágenes a una lectura contextual, relacional y argumentada. La propuesta pretende contribuir a una enseñanza del arte y del diseño en la que la alfabetización visual no se limite a reconocer recursos formales, sino que permita identificar cómo las imágenes construyen, naturalizan y transforman posiciones de poder, identidad y representación.

Enseñar diseño implica acompañar al estudiante en el aprendizaje de la observación, la experimentación y la toma de decisiones. Este trabajo presenta una propuesta de innovación docente en la asignatura Fundamentos del Diseño del Grado Universitario en Diseño de Moda de la Universidad Europea, basada en la transformación progresiva del plano al volumen y su posterior relación con el cuerpo, el espacio, el movimiento y la imagen. El recorrido comienza con una superficie sobre la que el alumnado realiza operaciones como cortar, plegar, curvar, perforar, repetir o superponer, sin definir previamente la forma tridimensional final. La propuesta introduce un margen de incertidumbre que permite explorar cómo la experimentación material genera conocimiento y abre nuevas posibilidades proyectuales. El proceso se articula mediante cuatro acciones recurrentes: hacer, mirar, decidir y transformar. Para analizar su aplicación en la enseñanza del diseño de moda, se plantea comparar actividades iniciales y finales y documentar pruebas, alternativas descartadas, variaciones y criterios de selección. Un diario de mirada permitirá registrar expectativas, hallazgos inesperados y decisiones. La incorporación de escala, cuerpo, movimiento y cámara introducirá nuevas condiciones que exigirán reconsiderar las soluciones formales. El recorrido culminará en una pieza audiovisual breve que ofrezca una interpretación de la investigación desarrollada. La experiencia está pendiente de implementación y evaluación, por lo que no se presentan resultados empíricos ni se atribuyen mejoras en el aprendizaje. Su desarrollo permitirá estudiar cómo el alumnado identifica posibilidades, revisa criterios y transforma sus propuestas a partir de los descubrimientos surgidos durante el proceso experimental.